13th MÓZG FESTIVAL - International Contemporary Music and Visual Arts Festival

Joey Baron
& Robyn Schulkowsky (koncert)
GODZ. 20:00

Nieograniczeni przez standardowe modele brzmienia i rytmu, mistrzowski duet Robyn Schulkowsky i Joey Baron kontynuuje poszukiwania precyzji, noise’u i piękna. Minione 15 lat w karierze tej dwójki artystów objęło m.in. wydanie albumu „Dinosaur Dances”, rezydencję na Grand Central w Nowym Jorku, trwającą współpracę z ekspertem ds. danych dr. Nilamem Ramem i Studio Lab „Playing the Archives”, bliską współpracę z kompozytorem Christianem Wolffem, a także występy oraz warsztaty w Ameryce Południowej, Stanach Zjednoczonych, , Europie i Chinach. Drugi album duet zostanie wydany w grudniu.

Joey Baron zaczął grać w wieku 9 lat. Przez lata rozwinął wyjątkowe, mistrzowskie podejście do tworzenia muzyki na zestawie perkusyjnym, co jest widoczne na przykładzie jego długoletniej współpracy z takimi ikonami jazzu jak Jim Hall, Steve Kuhn i John Abercrombie. Jego długa współpraca z Billem Frisellem została udokumentowana i wydana jako „JUST LISTEN” w Relative Pitch Records w 2013.

Obecnie, Baron koncertuje solo, prowadzi warsztaty i masterclass, a także współpracuje z Johnem Zornem nad projektem „Now This” z udziałem Gary’ego Peacocka i Marca Copelanda, tworzy „Sound Prints” z Joe Lovano i Dave’m Douglasem, oraz gra w nowym trio duńskiego giatrzysty Jakoba Bro z basistą Thomasem Morganem.

Robyn Schulkowsky jest znaną na całym świecie wykonawczynią muzyki eksperymentalnej i kompozytorką zaangażowaną w ciągłe poszukiwania nowych wymiarów dźwięku i rozwijanie nowych niecodziennych instrumentów. Ma na swoim koncie wiele prawykonań i nagrań najważniejszych kompozycji perkusyjnych XX i XXI wieku. Schulkowsky współpracowała lub pracuje z kompozytorami takimi jak Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, Morton Feldman, John Cage, Christian Wolff, artystami Guentherem Ueckerem i Manon de Boer, choreografami Mercem Cunninghamem i Sashą Waltz oraz wieloma innymi.

Maria Stokłosa / Takako Matsuda / Irad Mazliah / Dominik Strycharski (koncert / performace)
GODZ. 20:00

Zebrani przez Warsaw Dance Department, na parkiecie studio WDD w Pałacu Kultury i Nauki w Warszawie - pod parasolem MÓZG FOUNDATION, w ramach 13^th Mózg Festival – Festiwalu Muzyki Współczesnej i Sztuk Wizualnych, zabierzemy Was na podziemną eskapadę w poszukiwaniu tego, co kryje się w głębi, w sub-ziemi, w sub-duszy, w sub-przestrzeni, i tam zatańczymy. Niech sub-kultura raz jeszcze wypłynie na powierzchnię.

Irad Mazliah, dyrektor artystyczny Warsaw Dance Department

Dominik Strycharski to polski kompozytor, flecista prosty, wokalista, improwizator, performer i publicysta. Jest kompletnie wszechstronnym twórcą fascynującym się praktycznie każdym przejawem muzyki. Zajmuje się zarówno muzyką jak i dźwiękiem samym w sobie. Gra i komponuje współczesny jazz, w wielu elektrycznych i akustycznych odsłonach, muzykę współczesną, elektroniczną, teatralną, posthiphop, noise a także różne odmiany improwizowanej muzyki, we własnym projekcie Doministry oraz w zespołach Pulsarus, Organic Panic oraz Prophetic Fall. Od ponad dziesięciu lat prowadzi eksperymentalne warsztaty wokalne w których łączy rozwój świadomości własnego głosu z improwizacją oraz działaniem w grupie. Głos jest traktowany jak instrument a improwizacja jako podstawowe narzędzie ludzkiej kreatywności.

Irad Mazliah jest niezależnym artystą scenicznym, performerem, choreografem, artystą interdyscyplinarnym i terapeutą. Jest dyrektorem artystycznym i założycielem Movementum Foundation. Stworzył centrum tańca / dom kultury, który oferuje profesjonalne kursy dla tancerzy tańca współczesnego i stanowi także centrum badań na ciałem – Warsaw Dance Department w PKiN. Celem instytucji jest wspieranie rozwoju partnerów i budowanie świadomości ruchu i kultury ciała. Jest inicjatorem otwartego cyklu improwizowanych wieczorów # I M Space dla zawodowych tancerzy, muzyków i performerów. Aktywnie promuje taniec współczesny i kulturę ciała poprzez tworzenie, nauczanie i wspieranie artystycznych oraz badawczych projektów w Polsce. Jego podejście do pracy artysty scenicznego „występujący jest jak kameleon w ludzkiej skórze” skłoniło Irada do rozpoczęcia współpracy z twórcami.

Maria Stokłosa jest choreografką i tancerką. Ukończyła choreografię w School for New Dance Development (SNDO) w Amsterdamie oraz wydział tańca współczesnego w London Contemporary Dance School at The Place. Bierze aktywny udział w życiu tanecznym w Polsce. W 2013 powołała do życia Centrum w Ruchu – kolektyw oraz miejsce dla eksperymentalnej choreografii w Warszawie. Od 2008 organizuje warsztaty i rezydencje choreograficzne w Domu Pracy Twórczej Burdąg. Jako edukatorka współtworzyła z Iloną Trybułą Laboratorium Improwizacji, prowadziła także autorski program edukacyjny Lab Nowego Tańca. Obecnie prowadzi zajęcia w Szkole Pedagogów Teatru przy Instytucie Teatralnym oraz w Warsaw Dance Department, a także liczne warsztaty tańca, improwizacji i choreografii w Polsce i zagranicą.

Takako Matsuda jest tancerką tańca współczesnego. Prezentowała swoje choreografie na wielu festiwalach, głównie w USA (NY), Finlandii, Japonii i Polsce. Współpracowała min. z New Circus, Circo, Pori Dance Company (Finland), Polskim Teatrem Tańca (Poznań), oraz Teatrem Tańca Zawirowania. Obecnie współpracuje z Warsaw Dance Department jako instruktor i choreograf. Jej taniec zawiera elementy Budoh, Butoh oraz formy zaczerpnięte z azjatyckich sztuk walki. The New York Times nazwał Takako Matsudę tancerką magicznej ciszy.

Ecofilms about us
„Homo sapiens”, reż. Nikolaus Geyrhalter (film)
GODZ. 20:00

Co pozostanie z naszej cywilizacji, gdy w końcu wyginiemy? Puste przestrzenie, opuszczone budynki, sklepy, kina, szpitale, biura, szkoły, biblioteki, parki rozrywki i więzienia. Ruiny miast, które coraz bardziej porastać będzie roślinność. Zarośnięte wysypiska śmieci i zbiorniki wody czy rozpadający się na drodze asfalt… Przestrzeń, w której mieszkamy, po naszej zagładzie ponownie przejmie natura, z której kiedyś brutalnie ją wyrwaliśmy. Film, kręcony przez 4 lata w Europie, USA, Japonii i Argentynie, jest krytycznym portretem naszej cywilizacji. Zbudowany wyłącznie z precyzyjnie skomponowanych, statycznych ujęć, pozbawionych jakiegokolwiek komentarza. Przyglądamy się życiu ludzi na Ziemi, ich stosunkowi do zwierząt, drugiego człowieka, wojen. Brak tu obrazów przestrzeni prywatnych. Oglądamy wyłącznie miejsca publiczne: biura, hale sportowe, magazyny, szkoły, szpitale, sklepy. Poznajemy sposób organizacji życia na naszej planecie, a także wpływ, jaki rozwój technologii ma na degradację naszej cywilizacji. Widzimy miejsca opuszczone, zapomniane, odzyskane przez naturę i zwierzęta. Film jest głębokim spojrzeniem na wpływ, jaki ludzkość wywarła na Ziemię, próbą przewidzenia przyszłości, jaka nas czeka i oceną roli człowieka w dobie kryzysu ekologicznego. Czy mamy szansę na zmianę? Co powinniśmy w tym kierunku zrobić? Czy nie jest już za późno? Ten medytacyjny, poetycki esej o skończoności naszego gatunku zachęca do medytacji nad kruchością człowieka, do refleksji nad upływającym czasem i chwilą.

Ecofilms about us
„Punkt krytyczny. Energia odnowa.”,
reż. Łukasz Bluszcz (film)
GODZ. 17:00 Po seansie debata z czołowym polskim ekofilozofem Prof. Andrzejem Papuzińskim oraz reżyserem filmu Łukaszem Bluszczem

Pierwszy, polski, pełnometrażowy film dokumentalny na temat zmian klimatu i nieuchronnej rewolucji energetycznej. Twórcy w jasny sposób pokazują, dlaczego klimat nagle się zmienia i przed jakimi wyzwaniami w związku z tym staje nasza cywilizacja. Dowiadujemy się, co sprawiło, że równowaga klimatu na Ziemi została zachwiana i jakie są tego skutki. Czy realna jest przyszłość oparta jedynie na węglu i ropie? Czy można poradzić sobie ze smogiem i co musi się wydarzyć, żeby nie doszło do tragedii na miarę zagłady dinozaurów? Odpowiedzi na te i wiele innych intrygujących pytań szuka aktor Marcin Dorociński. Cały świat, a więc także Polska, stoi przed widmem powodzi, suszy, braku wody pitnej i jedzenia. Ciepłe kaloryfery w chłodne dni, lody w lecie, światło czy woda w kranie, o paliwie do samochodu nie wspominając – nie chcemy z tego zrezygnować, ale będziemy zmuszeni wytwarzać energię w inny sposób. Twórcy zwracają uwagę na kwestię alternatywnych źródeł energii i problemów, z jakimi borykają się w naszym kraju ich zwolennicy. Film ostrzega przed nadchodzącą katastrofą i proponuje rozwiązania mogące pomóc w jej powstrzymaniu. Zmiany już zachodzą – widać je także w Polsce. Właśnie znaleźliśmy się w Punkcie krytycznym.

Łukasz Bluszcz
Producent, reżyser i scenarzysta dokumentalny, związany z Vision House Productions. Pracował jako dziennikarz i producent lokalny dla globalnych stacji informacyjnych, jak BBC, AL Jazeera, Discovery, Channel 5 i inne. Autor scenariuszy dokumentów „Efekt Chopina” (BBC World, TVP2) i „Był Bunt” (Al Jazeera, TVP Kultura). Producent i reżyser programów Discovery Channel Polska: „Przystanek Bieszczady”, „Polska: Operacja Zmiana” i in. „Punkt Krytyczny. Energia odNowa” to jego pełnometrażowy debiut reżyserski.

Andrzej Papuziński
Filozof i socjolog; profesor w Instytucie Nauk Politycznych Uniwersytetu Kazimierza Wielkiego w Bydgoszczy, kierownik Zakładu Polityki Zrównoważonego Rozwoju; autor 4 monografii i ok. 110 artykułów naukowych, redaktor i współredaktor 8 prac zbiorowych; laureat nagrody Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego za książkę Życie – Nauka – Ekologia. Prolegomena do kulturalistycznej filozofii ekologii; zainteresowania profesjonalne ewoluowały od filozofii religii, przez katolicką teorię kultury i – następnie – przez współczesne filozoficzne stanowiska w dziedzinie filozofii kultury, po filozofię ekologii i etykę ekologiczną, zagadnienie edukacji ekologicznej oraz politykę ochrony środowiska ze szczególnym uwzględnieniem zasady zrównoważonego rozwoju.

Jakapi / Klimczak / Włodkowski / Magura (koncert)
GODZ. 20:00

Roomet Jakapi jest wokalistą i improwizatorem pochodzącym z Estonii. Łącząc niekonwencjonalny śpiew i elektronikę oraz dziwaczne instrumenty akustyczne tworzy w dźwiękowe podróże przez krajobrazy pełne niespodzianek. Występował z takimi artystami jak: Emilio Gordoa, Fred Frith, Louise Dam Eckardt Jensen, Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Gintas K, Taavi Kerikmäe, Mart Soo, Phlox, Ensemble U: oraz wieloma innymi. Obecnie, jest członkiem eksperymentalnego zespołu Punkt Nihu, AtgRuioFallA, Kreatiivmootor i Impromachine4000. Jest także wykładowcą akademickim, a jego badania koncentrują się na wczesnej współczesnej filozofii.

Aleksandra Klimczak to nietypowy sopran, a jak mówi sama o sobie – śpiewaczka [nie]operowa. Eksperymentuje z głosem i elektroniką. Próbuje łamać bariery gatunkowe w muzyce i innych dziedzinach sztuki. Z jednej strony występując z klasycznym repertuarem, a z drugiej - romansuje z improwizacją, rozszerzonymi technikami wokalnymi, fieldrecordingiem i performancem. Jest absolwentką Wydziału Wokalno-Aktorskiego UMFC w Warszawie. Jej domeną od początku studiów jest współpraca z reżyserami i kompozytorami młodego pokolenia, w szczególności jako wykonawczyni prapremier. Nieustannie poszukuje niestandardowej drogi egzystencji śpiewaczki operowej. Występuje w nowatorskich projektach, łączących operę z teatrem dramatycznym.

Radosław Włodkowski to muzyk eksperymentalny, programista, socjolog. Udziela się w ramach improwizowanych projektów głównie na scenie warszawskiej. Naukę gry rozpoczął w wieku lat 7. Ukończył szkołę muzyczną w klasie fortepianu i to właśnie on jest instrumentem jego pierwszego wyboru. Poza instrumentami klawiszowymi gra również na fletach, klarnecie i gitarze akustycznej. Wykorzystuje także wszelkiego typu zabiegi sonorystyczne oraz przedmioty. Stara się w świadomy sposób łączyć na pozór sprzeczne światy: zaawansowanej technologii i tego co najbardziej prymarne, harmonii i dysharmonii, formy i jej braku. Dźwięki syntetyczne łączy z organicznymi, tworząc zaskakujący, a jednocześnie charakterystyczny i spójny dla niego świat.

Krzysztof Magura to gitarzysta improwizujący i eksperymentujący, urodzony w Warszawie, związany ze sceną muzyki mniej lub bardziej jazzowej wokół klubu Mózg oraz Przestrzeni Prywatnej. Współtwórca duetu Dadavoodoo oraz wielu konfiguracji z muzykami warszawskiej sceny ocierającymi się o post-punk, folk, prog, freejazz. Jako dziennikarz promujący muzykę niezależną związany niegdyś z Radiem Aktywnym, magazynem Gentleman, obecnie piszący dla portalu Infomuza.

Marina Cyrino / Merje Kägu (koncert)
GODZ. 21:00

Marina Cyrino bada grę na flecie poprzez różnorodne interakcje ze światłem, ruchem, elementami i przedmiotami teatralnymi. Jest także muzykiem, który ma ogromne problemy z pisaniem swojej notki biograficznej. To pewnego rodzaju strach przed byciem zredukowanym do fragmentu siebie składającego się z kilku słów. To strach przed pisaniem o sobie w trzeciej osobie, nawet jeśli to ona jest autorką tekstu. Kiedy decyduje się mówić swoim głosem, mówi: „Poświęcam część życia na granie muzyki, a inną część, aby się nauczyć jak zostać górą. Wyjątkowo interesuje mnie słowo metamorfoza. Dzisiaj oddycham, a

Merje Kägu to estońska gitarzystka i kompozytorka, która studiowała gitarę na Estońskiej Akademii Muzycznej i ukończyła studia magisterskie z improwizacji na Akademii Muzyki i Teatru w Gotheburgu. Swoją oryginalną muzykę miała okazję zaprezentować w Szwecji, Danii, Norwegii, Finlandii i Szkocji. „Muzyka to coś co przyciąga moją uwagę i ciekawość. Inspiruje mnie. Lubię tworzyć kompozycje i łączyć je z improwizacją oraz tworzyć dialog, który jest intymny, osobisty i opowiada jakąś historię. Tam, gdzie brakuje słów, mówi muzyka. Muzyczna prawda to coś dynamicznego.”

bAgg*fisH (koncert)
GODZ. 20:00

BAGG*FISH to energetyczny noise’owy duet akustyczny i improwizacyjny. Jest jednocześnie poetycki i psychodeliczny. W jego skład wchodzi badacz silnie skoncentrowany na niestabilnej teksturze sprzężenia oraz bardzo przekonującego perkusisty, który towarzyszy mu w podróży. Podczas tworzenia tej poetyckiej wirtuozerii na wysokich obrotach, BAGG*FISH nawiązują do dyskursu odwołującego się do Interstellar Space Coltrane’a, Jimi’ego Hendrixa i dzisiejszej muzyki improwizowanej i noise’u. Niedawno poszerzyli krąg swoich zainteresowań a czysto akustycznego grania do brzmienia elektro-akustycznego.

Michael Fischer – saksofon tenorowy i (bez efektów) feedback_saxophone
Marcos Baggiani – perkusja

Michael Fischer pracuje nad mówioną immanencją dźwięków saksofonu i skrzypiec, „dźwiękoobrazami” i dyrygowanymi kompozycjami instant. Dzięki stworzeniu feedbacksaxophone jest w stanie przyjrzeć się saksofonowi w szerszym kontekście noisowej rzeźby, ukształtowanej przez kilka parametrów takich jak np. mikromanipulacje padów.

Marcos Baggiani urodził się w Buenos Aires, a w 2001 roku przeprowadził się do Holandii, gdzie studiował na Akademii Sztuk w Amsterdamie oraz występował na arenie jazzowej, muzyki improwizowanej, teatralnej i performance. Jest silnie zaangażowany w interdyscyplinarne konfiguracje z tancerzami.

Audrey Chen & Richard Scott
(koncert/spektakl multimedialny)
GODZ. 22:00

Audrey Chen to chińsko-amerykańska artystka. Zaczęła grać na wiolonczeli w wieku 8 lat i śpiewać w wieku lat 11. Po latach kształcenia w konserwatorium, w 2003 roku postanowiła zacząć szukać bardziej osobistej estetyki wyrazu. Twórczość Chen to jej własna wersja nieliniowej narracji. Spory element jej muzyki stanowi improwizacja. Grając, artystką łączy i układa warstwy dźwięków z domowej roboty syntezatorów analogowych oraz wykorzystuje preparowane i tradycyjne techniki gry na wiolonczeli oraz śpiewu. Wszystkie te elementy układa w swój osobisty język. W ciągu ostatnich dziesięciu lat Chen skupiała się głównie na swojej twórczości solowej, a niedawno ponownie zaczęła używać głos jako główny instrument.

Richard Scott to kompozytor i improwizator w gatunku muzyki elektronicznej obecnie mieszkający w Berlinie. Pracował z wieloma mało znanymi technologiami cyfrowymi jak np. Buchla Lightning and Thunder czy zaprojektowany przez niego system WiGi. Ostatnimi czasy koncentruje się głównie na nieskończonych możliwościach jakie daje analogowa synteza modularna. Do grania muzyki elektronicznej został początkowo zainspirowany przez nastoletnie doświadczenia związane z Cabaret Voltaire i Stockhausenem. Improwizację pokazał mu w latach 80-ch John Stevens. Uczył się gry na saksofonie z Eltonem Deanem i Stevem Lacym i kompozycji elektroakustycznej z Davidem Berezanem i Ricardo Climentem.

Audrey Chen – głos
Richard Scott – syntezator analogowy

„Hiss and Viscera” to robiące wrażenie debiutanckie wydawnictwo dwóch bardzo charakterystycznych głosów z bogatej i zróżnicowanej berlińskiej sceny improwizacji. Na pierwszy rzut oka ludzki głos i syntezator analogowy nie mają ze sobą wiele wspólnego, jednak Chen i Scott łączy intuicyjny, fizyczny i dynamiczny świat dźwięku, z którego powstaje intensywna i długotrwała muzyczna konwersacja. Frazy i wtrącenia odbijają się i między bujnym językiem Chen złożonym z gardłowych trzasków, chrypnięć i innych dźwięków a wyczerpującym katalogiem elektronicznych szczęków i wybuchów Scotta. Powstała w rezultacie muzyczna konwersacja nie zawsze wydaje się ludzka z pochodzenia, tworząc soniczne obrazy historii, języków i światów zamieszkałych przez wiele pozaziemskich stworzeń, prawdziwych lub wyobrażonych.

Jan Młynarski (koncert)
GODZ. 20:00

Jan Emil Młynarski jest absolwentem prestiżowej szkoły Drummers Collective w Nowym Jorku. Jako producent muzyczny, kompozytor i instrumentalista stworzył swój autorski zespół – 15 Minut Projekt, z którym wydał dwie płyty. Jest współkompozytorem muzyki do spektaklu „Kamień i Popioły” w Teatrze Powszechnym w Warszawie. Jest członkiem grupy Oszibarack, kierownikiem muzycznym musicalu „I Love You” wystawianego na deskach teatru Studio Buffo w Warszawie, liderem i producentem projektu Młynarski Plays Młynarski. Jest liderem tria POLE, jest członkiem grupy Baaba oraz współtworzy 67,5 Minut Projekt. Uczestniczy w projekcie „Głosy Gór”, gdzie łączy jazz ze współczesną polską klasyką pod batutą maestro Jerzego Maksymiuka. Jest twórcą i liderem grupy Warszawskie Combo Taneczne oraz współtwórcą formacji Jazz Band MłynarskiMasecki.

Młynarski jest związany z warszawską wytwórnią i stowarzyszeniem LADO ABC. Jego solowy program jest z jednej strony wycinkiem z jego muzycznej rzeczywistości, a z drugiej syntezą wielu wpływów jakie przez lata kształtują go jako muzyka i artystę. Wokół akustycznego zestawu, który jest podstawowym środkiem wyrazu Janka, krąży eksperymentalna elektronika. Usłyszymy wpływy hip hopu, rytmów afrykańskich, polskich. Jest także minimalizm i ambient

EmptySet (koncert/spektakl multimedialny)
GODZ. 22:00

Emptyset to innowacyjny elektroniczny duet stworzony przez Jamesa Ginzburga i Paula Purgasa. Duet komponuje w obrębie skomplikowanego zbioru narzuconych przez siebie parametrów lub zbiorów zasad, a rezultaty tych poszukiwał na płycie Borders są jednocześnie minimalistyczne i ekspresywne. Skupiona na nanoszeniu zmian brzmieniowych na melodii, muzyka Emptyset to badanie związku pomiędzy rytmem, fakturą i przestrzenią. Ramy i parametry każdego projektu warunkują sposób, w jaki dźwięki lub występ się rozwijają. W przeszłości, Emptyset badali sposób, w jaki dźwięki i przestrzenie oddziałują w różnych kontekstach architektonicznych, często w lokalizacjach site-specific. Na album Borders przyjmują inne podejście i skupiają się wokół procesu wykonawczego i wykonawcy. Każdy z nich stworzył własny materialny instrument, sześciostrunowy podobny do cytry instrument oraz bęben. Emptyset chcą raczej podkreślić występ na żywo aniżeli tworzyć sekwencje przy użyciu urządzeń. Podczas gdy Purgas i Ginzburg wykorzystują staromodną elektronikę analogową, kompresując i zniekształcając sygnały, album sam w sobie jest wykonywany całkowicie na żywo, a subtelne ruchy wywołują istotne zmiany w brzmieniu.

Ginzburg, obecnie mieszkający w Berlinie, prowadzi sieć wytwórni, która obejmuje elektroniczny label Subtext i Arc Light Editions, których powtórne wydanie obejmują prace Arthura Russella. Jest znakomitym producentem i remikserem zarówno dla niezależnych, jak i większych wytwórni.

Purgasv, obecnie mieszkający w Londynie, w 2009 roku założył wytwórnię We Elude Contro, która stanowi kuratorską kolekcję rzadkiej muzyki eksperymentalnej. Purgas jest artystą, pisarzem i kuratorem. Prezentował swoje projekty w galeriach Tate, Whitechapel i Serpentine. Jest także aktywnym promotorem muzyki elektronicznej w przestrzeniach eklektycznych takich jak park samochodowy czy modernistyczny pawilon.

Sam Williams - wideo